25 de diciembre de 2012

FELIZ NAVIDAD




Aquí os dejo con dos de los videos más bonitos compuestos para la Navidad. Frankie Goes To Hollywood con el tema The Power of love y Wham con el tema Last Christmas, dos preciosas canciones que están en la mente de todos para siempre.

Desde BELOKLASICA, os deseo a todos una FELIZ NAVIDAD


22 de diciembre de 2012

18 de diciembre de 2012

Tchaikovsky: El Cascanueces cumple 120 años




El Cascanueces está hoy de aniversario y es que cumple 120 años. El 18 de diciembre de 1892, el ballet El Cascanueces de Tchaikovsky se estrenaba en el Teatro Mariinsky de San Petersburgo, Rusia. Fijaos si es importante el cumpleaños del ballet, que hasta Google, hoy nos ha sorprendido con un doodle artístico donde las letras del buscador son escenas del ballet.

El Cascanueces es una adaptación de Alejandro Dumas (padre) del cuento de Ernst Theodor Amadeus Hoffmann, "El Cascanueces y el Rey de los Ratones", al que Tchaikovsky puso música para un ballet. El Cascanueces se interpreta ya por tradición en Navidad y quizás sea el ballet más famoso detrás de El Lago de los Cisnes (del mismo compositor). La puesta en escena corrió a cargo de Marius Petipa y existe una suite para interpretar en concierto. La música del ballet es muy popular y suele aparecer en infinidad de anuncios. Memorable es su Vals de las Flores, la Trepak y la Danza del Hada de Pan de Azúcar.


Cascanueces: Vals de las Flores





Música del ballet Cascanueces en la película Fantasia de Walt Dysney (1940)

5 de diciembre de 2012

Pink Floyd: Comfortably Numb




Con música de David Gilmour y letra de Roger Waters, Comfortably Numb está considerada como una de las mejores composiciones de la banda inglesa y que aunque Gilmour la compuso para su primer disco en solitario, al final fue incluida en la ópera rock "The Wall". El solo de guitarra que incluye el tema es uno de los mejores solos de Pink Floyd y de toda la historia. Este tema fue el último que la banda tocaron juntos ya que fue el tema de cierre en la última presentación de Pink Floyd.

28 de noviembre de 2012

Kraftwerk



Kraftwerk es un grupo musical vanguardista alemán, padres de la música electrónica. Aunque las técnicas e instrumentos que ellos introdujeron, hoy son muy básicos, fueron muy innovadores en su tiempo. La banda permaneció desde 1974 a 1989 con los mismos integrantes, época en que sacaron lo mejor de su discografía: Radio-Activity, Trans Europa Express y The Man Machine, sin duda los tres mejores discos de Kraftwerk. He de reconocer que me gustan mucho las portadas de sus álbumes, al igual que la música del grupo, que empecé a oír allá en los 70's




A partir de 1989 fueron cambiando algunos componentes y para mí ya no fueron los mismos que viajaban en el Trans-Europa-Express. No obstante, siempre quedarán esos discos de música electrónica que sentaron unas bases adoptando un estilo original. Más tarde, el estilo de Kraftwerk desembocó en una música electrónica que se bailaba, la música tecno.










26 de noviembre de 2012

Casablanca



Hoy cumple 70 años la película Casablanca. Es curioso la cantidad de frases famosas que contiene el filme, incluyendo una frase de las más famosas de la historia del cine y que sin embargo, no se llegó nunca a pronunciar, "tócala otra vez, Sam", que por cierto, Sam, no tenía ni idea de tocar el piano y por supuesto no interpretó la melodía de As Time Goes By, canción que Steiner, compositor de la banda sonora, odiaba y no pudo conseguir que no se incluyera en la película.. Pero hay otras frases míticas, como: "siempre nos quedará París", "de todos los bares en todos los pueblos en todo el mundo, ella entra en el mío" y sobre todo, la frase final de la película, "presiento que este es el comienzo de una hermosa amistad". Ingrid Bergman no paraba de entrar en los despachos preguntando "¿de quién estoy enamorada, de Víctor o de Rick?", "no se sabe todavía", contestaba el director sin inmutarse, ya que el guión se iba escribiendo a la par que se filmaba la película. Bogart se pasó casi toda la película con unas plataformas de corcho pegadas a sus zapatos y en ocasiones subido en unos ladrillos, o sobre unos cojines cuando estaba sentado frente a ella, para que no se notaran los cinco centímetros que le sacaba en altura Ingrid Bergman. La actriz se pasó toda la película peleando con los cámaras para que le sacaran su lado izquierdo en los planos, además de no llevarse nada bien con Bogart a pesar de haber quedado los dos como un referente de pareja romántica en el cine. A pesar de todo, Casablanca fue, es y será, una de las mejores películas de la historia del cine que perdura en el recuerdo de todos.

22 de noviembre de 2012

Saint-Saens: Mon coeur s'ouvre a ta voix



Una de las arias más famosas de la ópera es Mon coeur s'ouvre a ta voix (mi corazón se abre a tu voz), de la ópera Sansón y Dalila del compositor francés Camille Saint-Saens, siendo una de las piezas para recitales más populares en el repertorio para mezzosoprano/contralto.


Veamos ahora una transcripción, por Stjepan Hauser al cello y Yoko Misumi al piano


18 de noviembre de 2012

The Beatles: Love Me Do



Love me Do, fue el primer éxito comercial que grabaron The Beatles a finales de 1962, aunque ya en ese mismo año, el 1 de enero, habían grabado 15 temas para Decca Studios un LP que nunca vió la luz al considerar en ese momento la compañía discográfica que los grupos de guitarra estaban en pleno declive. Esa decisión está considerada como uno de los grandes errores en el mundo de la música. A partir de ese momento The Beatles fue una auténtica revolución en la música, que cambió para siempre con una clara influencia para cualquier artista y marcando una nueva era que junto a sus peinados y forma de vestir se convirtió en toda una transformación cultural, todo un acontecimiento histórico en la historia de la música rock que todavía 50 años después, sigue siendo un referente para cualquier artista.


















16 de noviembre de 2012

Mozart: Don Giovanni



Hablar de Don Giovanni, sin duda, es hablar de la mejor obra del genio de Salzburgo, aunque muchos prefieren Las bodas de Fígaro y otros La flauta Mágica, pero la inmensa mayoría coincide en describir Don Giovanni, como la mejor ópera de todos los tiempos. Esta ópera se estrenó en Praga el 29 de Octubre de 1787, como encargo después del éxito de la ópera anterior estrenada en la ciudad "Las Bodas de Fígaro". La obertura de esta ópera fue compuesta un día antes de su estreno, con lo cual se interpretó sin ensayo alguno antes de su estreno. El libreto escrito en italiano es de Lorenzo Da Ponte y está basada en el mito de Don Juan. Mozart marchó de Viena hacia Praga el 1 de octubre de 1787 con la partitura casi terminada, pero como hacía frecuentemente, quería acabar de pulirla habiendo tomado contacto con los cantantes. En este caso especialmente, ya que quería hacer que estos se adaptasen perfectamente al complejo carácter de los personajes. El estreno, después de diversos retrasos (inicialmente estaba previsto para el día 14, en honor de la archiduquesa María Teresa, pero se sustituyó por una función de Las Bodas) tuvo lugar en el Teatro Nacional de Praga el 29 de octubre, con escenografía de D. Guardasoni, con un fabuloso éxito por parte del público y de la crítica. Parece ser que incluso el mismo Giaccomo Casanova estaba presente aquel día.
Meses después, en mayo de 1788, Mozart presentó su nueva ópera a Viena, con gran éxito de las dos protagonistas femeninas: su cuñada Aloysia (Weber) Lange (Donna Anna) y Caterina Cavalieri (Donna Elvira). El compositor realizó importantes cortes, interpolaciones y alteraciones para adecuar la ópera al gusto vienés (y a los cantantes), a pesar de lo cual no tuvo una acogida tan favorable como la de Praga. Significativo de este hecho podría ser el juicio del emperador: "¡Demasiado fuerte para los vieneses!"

Nos encontramos en una ciudad española, en el siglo XVII, donde presenciamos el asesinato del comendador, que había acudido para defender el honor de su hija, Donna Anna, y que había sido desafiado a un duelo por el atrevido seductor Don Giovanni. El noble Don Ottavio, prometido de Donna Anna, jura que descubrirá al malhechor y que vengará al padre de la doncella, mientras el asesino, seguido por el criado Leporello, consigue huir. Encontrado por Donna Elvira, una amante abandonada que le busca desesperadamente, Don Giovanni huye de nuevo del escenario mientras su criado se enfrenta al desconsuelo y furor de la dama; al proclamar el famoso "catálogo" de las conquistas amorosas, éste revela a la mujer las traiciones del impenitente seductor. Mientras, Don Giovanni llega a las tierras bajo su dominio, donde tienen lugar las fiestas por las bodas de dos campesinos, Zerlina y Masetto, y donde con astucias y amenazas, consigue incluso seducir a la joven esposa. Llegan al castillo Donna Elvira, Donna Anna y Don Ottavio: Donna Anna busca venganza, y Elvira y Ottavio una compensación a sus penas de amor respectivas. Durante el baile de los campesinos, el grito de Zerlina deja al descubierto los infames propósitos de Don Giovanni, a quien ya no queda más remedio que prepararse para hacer frente a la venganza que se le viene encima al haber sido desenmascarado...
Después de algunos engaños y tretas más (entre ellos, el cambio de ropas con Leporello como estrategia para hacer nuevas conquistas femeninas), el seductor, obligado nuevamente a huir, se refugia en un cementerio; su criado Leporello intenta convencerle por enésima vez para que cambie de vida. Ante las carcajadas y burlas de Don Giovanni, cobra vida la estatua del comendador, que también le increpa; a lo cual el asesino le contesta desafiándole a presentarse a cenar en su palacio. Ante la mesa preparada en el salón del castillo, Donna Elvira insta per última vez a Don Giovanni para que se arrepienta, pero éste le contesta con su habitual arrogancia: "Vivan le femmine, viva il buon vino, sostegno di gloria e d'umanità!" El castigo llama a la puerta: ahora es la estatua del comendador la que insta a su asesino a arrepentirse. Don Giovanni no lo hace; por el contrario, ofrece su mano en señal de reto; pero el contacto es fatal: la tierra se abre y Don Giovanni es engullido por las llamas infernales. El "mundo" queda de esta manera salvado: Masetto y Zerlina celebran las bodas; Donna Anna y Don Ottavio acuerdan su unión y, mientras Donna Elvira anuncia que piensa retirarse a un convento, Leporello se aleja en busca de un mejor señor. El final fugado advierte: "Dei perfidi la morte alla vita è sempre ugual" ("La muerte de los pérfidos es siempre igual a su vida").







15 de noviembre de 2012

Beethoven: Sinfonía Nº 5



La Quinta Sinfonía de Ludwig Van Beethoven puede que sea una de las composiciones más famosas de toda la música clásica, pero si de una cosa sí que estamos seguros, es que su comienzo, contiene las cuatro notas más famosas de la historia de la música, motivo que pudiera ser seguramente por la angustia de su imparable sordera que en el momento de su composición acusaba el compositor. No se sabe realmente el significado simbólico que el autor quiso dar a esas cuatro notas, aunque según Anton Felix Schindler (músico austriaco y de los primeros biógrafos de Beethoven), escribió: El mismo compositor proporcionó la clave a estos profundos temas cuando un día, en la presencia del que escribe, señaló el principio del primer movimiento y expresó con estas palabras la idea fundamental de su trabajo "¡Así el destino toca a la puerta!"
Aunque tampoco se le da demasiado crédito a las palabras de Schindler, ya que posteriores investigaciones tiraron por tierra la mayoría de las declaraciones al demostrar muchas falsificaciones u otros asuntos de los Libros de Conversaciones con Beethoven (en los que insertó muchas líneas apócrifas después de la muerte de Beethoven) y sus exageraciones acerca del período que estuvo con el compositor. Vamos, que una vez muerto Beethoven, insertó lo que le dió la gana. No obstante existe una probabilidad de que el mito de lo que significaba, no sea de lo inventado y fuera verdad.

Beethoven empezó a componer la 5ª Sinfonía según los primeros esbozos, inmediatamente después de la Tercera Sinfonía, aunque tuvo que interrumpirla para componer otras composiciones como la primera versión de Fidelio, la Sonata para piano Appassionata, el Concierto para Violín, la Misa en do Mayor, el Concierto para piano y orquesta nº 4, los Cuartetos de cuerdas Rasumovsky y la Cuarta Sinfonía. Una vez que estaba finalizando la Sinfonía, fue compuesta en paralelo junto a la Sexta Sinfonía, que fueron estrenadas juntas en el mismo concierto en el Theater an der Wien de Viena, el 22 de diciembre de 1808, dirigido por el propio compositor, aunque el día del estreno no tuvo gran acogida por la crítica ni el público, motivado a las condiciones adversas: El auditorio era muy frío y el concierto duró cuatro horas, para colmo de males, debido a un error de uno de los músicos en la Fantasía Coral (otra de las piezas que estaban en el programa), Beethoven tuvo que detener la ejecución y comenzar de nuevo, que después de cuatro horas terminaron por agotar al público asistente. Aún así, la Sinfonía nº 5 de Beethoven, desde entonces se convirtió en emblema de la música clásica, siendo junto a la Tercera y Novena Sinfonías como la obra más revolucionaria de Beethoven y una de las composiciones más interpretadas en todas las Salas de Concierto del mundo.

En un ensayo titulado La música instrumental de Beethoven, escrito en 1813, E.T.A. Hoffmann recalcó todavía más la importancia de la sinfonía:

¿Puede haber alguna obra de Beethoven que confirme todo esto a un mayor grado que su indescriptiblemente profunda y magnífica sinfonía en do menor? ¡Cómo esta maravillosa composición, en un clímax que sube sin cesar, lleva al oyente imperiosamente para entrar en el mundo de los espíritus infinitos!... No hay duda de que todo se precipita como una ingeniosa rapsodia según muchos, pero el alma de cada oyente reflexivo seguramente fue movida, y muy íntimamente, por un sentimiento que no es otro que el anhelo portentoso indecible, y hasta el acorde final - de hecho, incluso en el momento que le siguen- que será incapaz de salir de ese mundo espiritual maravilloso, donde el dolor y la alegría lo abrazan en forma de sonido. La estructura interna de los movimientos, su ejecución, su instrumentación, la forma en que se suceden uno y otro - todo lo que entre los temas que genera la unidad, que solo tiene el poder para mantener al oyente firmemente en un estado de ánimo interior. Esta relación es a veces clara para el oyente cuando escucha en la conexión de dos movimientos o descubre el bajo fundamental en común, una relación más profunda que de no revelarse de este modo habla en otras ocasiones sólo de mente a mente, y es precisamente esta relación que imperiosamente proclama la libre posesión de un genio del maestro.

7 de noviembre de 2012

Joshua Bell: Experimento en el metro



Vamos a trasladarnos hasta el año 2007, a las 7:51 de la mañana del 12 de enero en una estación del centro de Washington. El experimento fue idea del diario "The Washington Post" y consistía en observar la reacción de la gente ante la música tocada por uno de los grandes violinistas del mundo en una estación de metro. La estación elegida era L'Enfant Plaza, epicentro del Washington Federal. El violinista, Joshua Bell, que tres días antes había llenado en un concierto en el Boston Shympony Hall, donde la entrada más barata era de 100$. Bell, ataviado con unos vaqueros, camisa de manga larga y una gorra, después de llegar al lugar en taxi, por una importante razón: llevaba como compañía una estuche con algo muy importante y valioso, su violín, un Stradivarius de 1713 valorado en más de 3,5 millones de dólares. Se colocó en el hall del metro y empezó tocando la chacona de la Partita nº 2 en Re Menor de Johann Sebastian Bach, una de las piezas más perfectas y con más dificultad a la hora de interpretar.
Exactamente pasaron 1097 personas por delante del solista, de los cuales muy poquitos apenas se pararon un segundo para escuchar y de los que reunió en el estuche de su violín, 32 dólares y 17 centavos durante los 43 minutos que duró el recital. Solamente se pararon durante unos instantes 7 personas y 27 fueron los que contribuyeron en lo recaudado. Solo una persona reconoció a Bell en los últimos momentos de su actuación, que quedó parada a escasos metros de él y escuchando atentamente. Una vez que acabó se acercó al solista para decirle que le había visto en concierto, que estuvo fantástico y que esto era una de esas cosas que solo pueden suceder en Washington. Joshua Bell le dio las gracias.

Ya veis, uno de los mejores violinistas del mundo, con un Stradivarius, interpretando a Bach a la perfección, y nadie se detuvo a disfrutarlo. Qué cosas...

5 de noviembre de 2012

Barbra Streisand: Release Me

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Barbra Streisand es conocida sobre todo por su faceta de cantante, pero también ha trabajado en musicales de Broadway, en el mundo del cine ha dirigido, producido e incluso compuesto bandas sonoras. Todo un currículum que avalan su carrera profesional, siendo la artista femenina que más discos ha vendido de la historia, con 50 discos de oro, 39 de platino y 13 multi-platino. Entre los galardones obtenidos por la artista, se encuentran dos Oscar, 5 Emmys, 11 Globos de Oro, 10 Grammy, un Tony especial, la Medalla Nacional de las Artes de América y la Legión de Honor de Francia.

Streisand ha sacado un nuevo disco llamado "Release Me" que incluye temas que fueron grabados durante sus más de 60 álbumes grabados a lo largo de toda su carrera desde 1963, pero nunca publicados. Entre medio centenar de temas que fueron eliminados, se han elegido 11 temas que son los que se incluyen en este nuevo álbum. Un disco donde la Streisand luce esa voz limpia y clara de sus mejores tiempos y que tanto ha cautivado durante décadas enteras. La propia Barbra ha seleccionado estas canciones que quedaron perdidas, pero cuidadosamente guardas hasta hoy que ven la luz.

En el comunicado oficial de lanzamiento del disco, Barbra declara que "Lo que me hace más feliz es que todavía siento gran cariño por todas estas canciones. Me gustaron en aquel entonces… y aún me gustan. Escucharlas ahora me hace pensar de mí misma, La chica no era nada mala".


Estos son los temas que encontraremos en "Release Me", en el que enseguida nos daremos cuenta que las canciones no suenan actuales, notándose que se han quedado atrás en el tiempo, pero es una delicia volver a oír la voz de la Streisand de nuevo en todo su esplendor:

01. Being Good Isn’t Good Enough (de HALLELUJAH, BABY!)

02. Didn’t We
 (de The Singer)
03. Willow Weep For Me (de Simply Streisand)
04. Try To Win A Friend
05. I Think It’s Going To Rain Today (de Stoney End compuesta por Randy Newman y también él mismo al piano)
06. With One More Look At You (de A STAR IS BORN)
07. Lost In Wonderland

08. How Are Things In Glocca Morra? / Heather On The Hill (de FINIAN’S RAINBOW / BRIGADOON)

09. Mother And Child

10. If It’s Meant To Be
11. Home (de THE WIZ)



2 de noviembre de 2012

Saint-Saens: Dieu, dieu d'Israel



La preciosa obertura de la ópera Sanson y Dalila (dieu, dieu d'Israel), comienza en Gaza, en una plaza junto al templo de Dagón. Un grupo de judíos se lamenta de la derrota y opresión ante los filisteos y entre ellos se encuentra Sansón, que dice que ha oído a Dios y le ha dicho que está próxima la liberación.

En otro momento dedicaremos un tiempo a una de las arias más bonitas de la historia de la ópera y gran referente de la ópera francesa, que se encuentra en esta ópera de Saint-Saens, pero eso será en otra ocasión.

12 de octubre de 2012

Silvio Rodríguez: Unicornio



La primera vez que pude ver en concierto a Silvio Rodríguez, fue en las fiestas del PC en la Casa de Campo de Madrid. Ya había escuchado varios discos suyos y me sonaban muchas de sus canciones, pero aquél concierto fue memorable, al aire libre y Silvio con su guitarra cantando sus éxitos. Han pasado ya muchos años desde la década de los 80, pero Silvio sigue siendo uno de los cantautores más reconocidos mundialmente. Su estilo es principalmente de canción protesta marcado por la Revolución Cubana, pero canta también al amor y el desamor, con una poesía clara y profunda, a temas personales y temas metafísicos. No lo puedo evitar, pero si quiero llorar, lo tengo muy fácil, solo tengo que escuchar algunos temas de Silvio y las lágrimas brotan fácilmente de mis ojos.

Unicornio es seguramente la canción más conocida y famosa de Silvio Rodríguez.


Unicornio

Mi unicornio ayer se me perdió
pastando lo dejé y desapareció
cualquier información bien la voy a pagar
las flores que dejó, no me han querido hablar.

Mi unicornio azul ayer se me perdió
no sé si se me fue, no sé si se extravió
y yo no tengo más que un unicornio azul
si alguien sabe de él, le ruego información
cien mil o un millón yo pagaré
mi unicornio azul, se me ha perdido ayer
se fue...

Mi unicornio y yo hicimos amistad
un poco con amor, un poco con verdad
con su cuerno de añil pescaba una canción
saberla compartir era su vocación.

Mi unicornio azul ayer se me perdió
y puede parecer acaso una obsesión
pero no tengo más que un unicornio azul
y aunque tuviera dos yo solo quiero aquel
cualquier información la pagaré
mi unicornio azul se me ha perdido ayer
se fue...


En 1982, el propio Silvio se encargó de aclarar la historia que le inspiró esta bella canción: "todo empezó por un amigo muy querido que tuve, un salvadoreño llamado Roque Dalton, quien además de haber sido un magnífico poeta fue un gran revolucionario, compromiso que le hizo perder la vida cuando era combatiente clandestino. El caso es que Roque tuvo varios hijos; entre ellos Roquito -el que hace tiempo se encuentra prisionero, y del que no se sabe su suerte-, y Juan José, que jovencito y delgado como es, fue guerrillero, herido, capturado y torturado. A este último fue a quien encontré hace poco y me contó que allá, en las montañas de El Salvador, andando con la aguerrida tropa de los humildes, trotaba un caballito azul con un cuerno"

Silvio comentó en una entrevista en la República Dominicana que "el unicornio no es más que la inspiración perdida".

10 de octubre de 2012

Dmitri Shostakovich




Quiero hacer un homenaje a Leiter, que con un magnífico blog llamado Leiter's Blues, nos mantuvo enganchados a su página con su peculiar y elegante forma de escribir durante tanto tiempo. Leiter se nos fue tras una larga enfermedad que pudo con él. Desde aquí quiero homenajearte recordando uno de tus artículos.



Dmitri Shostakovich: Las dos caras de un músico atormentado 
(artículo original escrito por Leiter)


* Nacido el 25 de octubre de 1906 en San Petersburgo
* Fallecido el 9 de agosto de 1975 en Moscú


Hijo de un químico y de una pianista, recibe sus primeras clases de música a los nueve años de manos de su hermana María. Esto resultó del todo milagroso, descubriéndose el joven Dmitri como un notable intérprete. Su madre decide tomar cartas en el asunto, ante la increíble precocidad y capacidad de aprendizaje del chaval, y le inscribe en las clases de Ignaz Glasser, uno de los más reputados profesores de San Petersburgo. Pero surgió un inesperado problema: El joven Dmitri daba muestras de una inspirada creatividad compositiva que resultó incompatible con los métodos de Glasser. De resultas, su madre le pone en manos, durante cuatro años, de su antigua profesora Rozanova, quién instruye de manera muy eficiente al chico en las artes pianísticas, dejándole además margen para la composición. Por estas mismas fechas se produce un hecho que le marcará profundamente a lo largo de toda su vida: Contempla, con apenas trece años, como un niño es violentamente asesinado a manos de la policía política del zar. Esto le hizo comprometerse, desde muy joven, con los principios de la Revolución Rusa y, fruto de esta relación, escribe una serie de loas y poemas que ensalzan las virtudes revolucionarias.

En 1919, Dmitri toca el piano en presencia de Glazunov, por aquel entonces director del Conservatorio de San Petersburgo, y éste se queda tan asombrado que le inscribe directamente en el departamento de composición, pasando por alto los previos y obligatorios cursos de Teoría Musical. Shostakovich demuestra unas facultades musicales innatas, propias de un privilegiado de la música: Poseía el llamado oído absoluto (Identificaba cualquier nota musical sin la ayuda referida de una escala tonal) y también el interno (Era capaz de interpretar una obra orquestal al piano haciendo, simultáneamente y a primera vista, la reducción). En 1922, al fallecer su padre, Dmitri está a punto de abandonar sus estudios al verse en la obligación de encargarse de la manutención de su familia. Afortunadamente, el mismo Glazunov le consigue una beca de la Fundación Borodin y, gracias también a un empleo como pianista de un cine, con ello puede proseguir sus estudios. A estas alturas, parecía que su futuro en la música pasaba por convertirse en un concertista de piano.

En 1925 finalizó sus estudios en el Conservatorio (Con tan solo 19 años) y, para celebrarlo, compuso su Primera Sinfonía, estrenada el 12 de mayo. El éxito fue apoteósico y la nueva partitura traspasó las fronteras rusas, llegando incluso a ser dirigida en el resto de Europa y América por las principales batutas del momento. Shostakovich se consagra así como el compositor oficial de la “Nueva Rusia Revolucionaria”. En 1927, tras participar en el primer certamen del prestigioso Concurso Chopin de Varsovia, compone su Segunda Sinfonía, “Octubre” y traba amistad con Ivan Sollertinski, un personaje de vasta cultura de quién aprenderá mucho y bueno. Un año después se instala en Moscú y esboza la mayor parte de su extraña ópera La Nariz. Su vena compositiva parece no tener límite y en 1929, ya de vuelta en la antigua Leningrado, redacta su Tercera Sinfonía y dos ballets, La Edad de Oro y El Perno. Por si esto no fuera suficiente, al año siguiente comienza su nueva y muy polémica ópera, Lady Macbeth. Aprovechando el renacer artístico de la Rusia de los años veinte, Shostakovich toca todas las teclas de las vanguardias musicales del momento (Atonalismo, serialismo…). Pero la nueva década de los treinta supone la dictadura también artística de un Stalin cuyos principios estéticos eran un tanto caducos y donde la creación musical sólo tenía sentido si servía para alabar la Revolución y, por consiguiente, a él mismo (Extraña enfermedad que se contagia entre todos los dictadores). En 1934 se estrena Lady Macbeth en Leningrado con un éxito clamoroso, manteniéndose en cartel durante dos años. Pero a finales de diciembre de 1935 sobreviene la desgracia: Stalin acude a una representación de la misma en el Bolshoi y abandona el teatro manifiestamente enojado, calificando la pieza de “pornofonía”. El titular de Pravda del día siguiente fue más allá (Dicen que lo redactó el propio Stalin): Caos, bestialismo musical, concierto de aullidos… Y otras lindezas por el estilo. La obra fue retirada y el compositor cayó en desgracia, teniendo que aplazar el estreno de su Cuarta Sinfonía, que ya tenía escrita, hasta 1962. Tras dos tensos y amargos años, Shostakovich fue rehabilitado en 1937 al estrenar en Leningrado su Quinta Sinfonía bajo el epígrafe “Respuesta de un artista soviético a unas críticas justas” (Algunos políticos, cuando se proponen humillar desde su lerda ignorancia, lo acaban consiguiendo con creces). Es precisamente en este instante cuando Shostakovich manifiesta una doble tendencia como compositor: Una, la oficial, como autor “conciliado” con el régimen soviético (Música efectista y grandilocuente) y otra, como compositor íntimo y profundo, tendencia que arranca con el primero de sus cuartetos. Ya rehabilitado del todo, ese mismo año de 1937 Shostakovich es nombrado profesor de composición en el Conservatorio de Leningrado, púlpito desde donde ejerció una magnífica y extraordinaria labor. En 1939 estrena su Sexta Sinfonía, de marcado carácter híbrido.

Cuando las tropas de Hitler se encontraban asediando Leningrado, Shostakovich trató de alistarse como miembro del comité para la defensa civil de la ciudad aunque, finalmente, sólo fue aceptado a colaborar como bombero. Pero pronto fue evacuado hacia Kuibishev, donde en 1941 termina una de sus mejores y más trascendentales obras, la Séptima Sinfonía, “Leningrado”, estrenada en dicha ciudad al año siguiente. La obra se convirtió en el estandarte musical de una nación invadida y ello fue posible también debido a la retransmisión que llevó a cabo la Radio Soviética de aquel concierto, pudiéndose oír en toda Rusia, EEUU y Gran Bretaña. La historia de cómo logró salir la partitura de la URSS para ser interpretada en EEUU es propia de una película de la saga de Indiana Jones. Un microfilm conteniendo la partitura partió de Rusia rumbo a Teherán. De allí a El Cairo para luego llegar a las Islas Canarias. Y, finalmente, desde las Islas en barco hasta Nueva York. En América esperaban ansiosamente tres directores dispuestos a dirigir la premiére norteamericana de la obra: Stokowski, Rodzinski y Toscanini. Este último fue quién finalmente se llevó el gato al agua, dirigiendo el estreno de la obra en Nueva York en julio de 1942. Al año siguiente, consigue estrenar Shostakovich su conmovedora Octava Sinfonía. Un año más tarde, el Trío nº2, dedicado a su amigo Sollertinski, fallecido en el frente.

En 1945, ya casi finalizada la guerra, Shostakovich presenta su Novena Sinfonía, irónica y de acentos cómicos, que muy pocos supieron entender. Al año siguiente es nombrado presidente de la Unión de Compositores Soviéticos y en 1947 diputado por Leningrado. Todo parecía ir de de cine cuando sobreviene la famosa purga de Zhdanov en la que Shostakovich se convierte en el blanco de todos los ataques, llegándosele a prohibir el estreno de obras orquestales. La disculpa llega con la composición de El Canto de los Bosques, delirante oratorio escrito en homenaje a la Tercera Ley Agraria. En su vertiente más personal e íntima crea, sin posibilidad de audición, su Concierto para violín en la menor y los Cuartetos nº4 y 5. En 1949, obligado por Stalin, viaja a los EEUU en calidad de embajador artístico soviético. Por fin, en 1953 Shostakovich — y la gran mayoría del pueblo soviético — se liberan para siempre del yugo estalinista y por ello se apresura a estrenar, a fines de ese año, su Décima Sinfonía. Al año siguiente murió su esposa Nina, al parecer en más que extrañas circunstancias.

A partir de 1956 su ritmo creativo se acentúa al abandonar definitivamente su carrera como concertista de piano. En 1957 estrena su Undécima Sinfonía y al año siguiente hace lo propio con su primera opereta, Moscú, Barrio Cheremuvski. Son, estos, años de reconocimiento a nivel internacional y de viajes al extranjero, aunque ya se empiezan a manifestar los primeros síntomas de su enfermedad y ha de ser hospitalizado en alguna que otra ocasión. Al regreso de un viaje a Dresde es readmitido oficialmente en el Partido Comunista… Y así, en 1962, reestrena también su antaño polémica Lady Macbeth, aunque ahora escondida bajo el título de Katerina Ismailova, y de paso estrena su Decimotercera Sinfonía, obra que le vuelve a enfrentar con la jerarquía rusa (¡Qué tíos más pesados esos del Politburó!). La obra fue prohibida hasta los años setenta pero a Shostakovich le daba ya igual todo, sabedor de que era el músico más popular de la URSS y que por ello mantenía una inmunidad plena. Los del Partido Comunista se quedaron con un palmo de narices al contemplar que nadie hizo el más mínimo caso a las perversas acusaciones vertidas contra Shostakovich.

En 1965 sufrió un fuerte ataque al corazón del que se libró por bien poco. Fue entonces cuando el compositor cayó en un estado de pesimismo y angustia vital, reflejándose todo ello en su Decimocuarta Sinfonía y en sus últimos cuartetos. Desgraciadamente, los últimos años de Shostakovich fueron un tanto tristes: Sufrió un segundo infarto en 1971, nada más concluir su Decimoquinta Sinfonía y, lo más grave, vio como poco a poco sus mejores amigos le iban abandonando: Rostropovich abandonó definitivamente la URSS en 1974 y, en ese mismo año, falleció David Oistrakh durante una gira por Holanda. En mayo de 1975 compone su última obra, la Sonata para viola y piano. En junio tuvo que ser hospitalizado y finalmente, el 9 de agosto, fallece en un hospital de Moscú.

La música de Shostakovich oscila entre la inspiración y la trivialidad, a modo de dos distintas caras según sea obra generada para él mismo o para la Nomenklatura. Por eso, se ha afirmado que Shostakovich fue uno de los compositores que más “música mercenaria” escribió, de muy poca calidad, por cierto. Pero al mismo tiempo, es capaz de crear obras musicales que se encuentran entre lo más sublime de todo lo compuesto en el siglo XX, en absoluto “música moderna” sino de lo más accesible para el gran público. Utiliza un estilo francamente directo para transmitir cosas complejas, misteriosas y profundas. Shostakovich ha sido uno de los compositores más prolíficos de toda la historia de la música.

OBRAS

- 15 Sinfonías, destacando las números 1, 5, 7 y 10
- 11 Suites (Generalmente, para bandas sonoras)
- 12 Obras orquestales más breves
- 2 Conciertos para piano
- 2 Conciertos para violín
- 2 Conciertos para violoncelo, destacando el Nº2
- 3 Operas
- 4 Ballets
- 8 Cantatas
- 12 ciclos de Canciones con orquesta
- 36 Canciones para voz sola
- 15 Cuartetos de cuerda
- 2 Tríos con piano
- Quinteto con piano
- Otras obras de cámara
- Diversa obra para piano solo
- Música incidental para unas treinta películas











8 de octubre de 2012

Wim Mertens: Often A Bird



Wim Mertens que nació en Neerpelt, Bélgica, forma parte del estilo minimalista, aunque se diferencia de otros por insertar melodías más fáciles y asequibles al oído que otros compositores de su estilo. Su obra abarca desde comienzos de los 80 y tiene una amplia discografía en su haber. Sus temas facilones que enganchan fácilmente, han hecho que este compositor se encuentre entre los más famosos compositores minimalistas, sin alcanzar ni de lejos las cotas que otros han llegado a tener, como el caso de Glass o Nyman. A diferencia de estos dos mencionados, que se han insertado dentro de la composición sinfónica y clásica (sobre todo Glass, que ya es un gran compositor de música sinfónica), Mertens publica sus trabajos como obras aisladas que guardan la misma similitud pero sin explorar otros campos más serios y complejos, aunque su música está siempre en constante evolución. El compositor belga que estudió en el Conservatorio de Bruselas licenciándose en piano y Musiciología y Ciencias Políticas y Sociales, además del piano, toca también la guitarra y en muchos de sus temas canta con un tono agudo muy peculiar, asemejándose a un falsete y con un lenguaje que él mismo inventa y que no es entendible ni aún sabiendo latín. Con más de 60 discos a su espalda y habiendo producido conciertos a compositores como Glass, Steve Reich o Terry Riley, Mertens no fue profeta en su tierra y sus compatriotas nunca entendieron su música, por eso siempre ha estado viajando por diferentes países hasta que fue descubierto en un programa de radio que le empezó a dar la fama que no había llegado hasta entonces. "Mi música es popular, pero no para las masas"

7 de octubre de 2012

Drácula de Bram Stoker: Wojciech Kilar





Nos encontramos con una película que no nos dejará indiferentes... o te gusta o no te gusta... no hay términos medios. Nos encontramos un Coppola totalmente influido por el cine japonés, concretamente con "Kagemusha" de Kurosawa, dejando aparte la casualidad de que está coproducida por él mismo. Hay ciertas cosas en la película que no logro entender y se me escapan al razonamiento. Esas terribles gafas de cristal azul, esa cantidad de disfraces y transformaciones del protagonista, que nos hace olvidarnos a veces del verdadero personaje del que trata la historia... , unos trucos visuales a base de sobreimpresiones que chocan frontalmente con otros espectaculares, como las transformaciones que padece el gran Gary Oldman, magnífico en la escena donde chupa y rebaña el filo de la navaja con la que se acaba de cortar afeitándose Keano Reeves. Muchas sombras chinescas a base de figuras descuartizando caballos. Estamos ante un conde Drácula romántico y enamorado, todo lo contrario que escribió el autor de la obra literaria. La mentira humana y el engaño hace que su amada Elisabetha, creyéndole muerto al recibir una carta de los turcos derrotados por el conde en la guerra comunicando su muerte, se lance al vacío desde lo alto del castillo contra el río. A su vuelta, Drácula al ver a su amada muerta, jura venganza al mundo y aquí comienza nuestra historia. Un Drácula capaz de convertirse en hombre lobo, estatua viviente de la catedral de Notre Dame, ratas, murciélago, larva y un montón de cosas más, incluido él mismo de joven, imagen con la que enamorará a Mina, novia y futura esposa del segundo protagonista encargado de venderle posesiones en Londres, donde Drácula planea ir a por su amada, reencarnada en Mina. Un Anthony Perkins que se pasa tres pueblos de exagerado y un Keano Reeves que se desenvuelve bien en su papel, pero el verdadero protagonista es Oldman, soberbio en su interpretación, seguramente la mejor de su carrera. Varias escenas entre absenta, cinematógrafo, baile con velas, nos hace pensar que estamos viendo un anuncio publicitario. Muy buena la recreación de un Londres de época que queda eclipsado por la cantidad de metamorfosis y efectos especiales. No falta la típica escena del manicomio lleno de locos de atar (en donde un magnífico Tom Waits hace un papel sensacional) y estacas clavadas en el corazón, cabezas cortadas, lobos y vampiresas. No podemos olvidarnos de los maravilloso fundidos de la película, desde la cola de un pavo real a salir por el túnel una locomotora, de los mordisco del cuello fundidos con los ojos de Drácula o la cabeza cortada de Lucy, fundido con la carne que se está comiendo Perkins. Geniales esas imágenes.
Aún así, uno cuando sale del cine, puede hasta pensar que ha visto una gran película. Pero lleguemos a una parte de la película que no podemos dejar pasar... La Banda Sonora escrita por Wojciech Kilar. Aquí nos encontramos con una gran obra maestra, posiblemente una de las mejores bandas sonoras que se hayan escrito nunca. Una música que no se parece a ninguna otra, que acompaña cada imagen de la película como si cada imagen se hubiera hecho para cada nota. Nadie puede concebir esta película sin esta música.
La Banda sonora empieza por el principio "The beginnin", una de las partituras más excitantes que pueda oír el oído humano, no puede dejarte indiferente. Empiezan violines y cellos in crescendo hasta culminar en un apoteosis donde es imposible no imaginar un tétrico castillo en los Cárpatos. Escenas sangrientas de la guerra donde los soldados eran empalados, se les cortaba la cabeza y se les chupaba toda la sangre. Enseguida oiremos el tema de amor "mina", nos acompañara en cada escena donde salga su amada. "The Storm" es uno de los mejores cortes, marcando el ritmo los timbales al más estilo Carmina Burana, nuestro personaje se dirige a Londres, matando todo lo que se le pone por delante y llega el desembarco en la ciudad. "Love Remembered" nos da un respiro para volver al romanticismo de los personajes, un tema precioso a base de una entrada de oboe y violines. Más adelante nos encontramos con el tema "Mina-Drácula". Empiezan los cellos, a ritmo pausado, subiendo y mezclandose con los violines y varios instrumentos de viento. Esta pieza nos translada todo el amor mezclado con el intenso dolor que siente atravesando océanos de tiempo. "Ascension" es la liberación del mal, para encontrarse con el descanso, con el final de una eternidad vagando por la nada, aquí se apagan siglos de venganza y sufrimiento. Los coros nos transportan del mal al bien. Para acabar el disco nos encontramos con "love song for a vampiro", un tema cantado por Annie Lennox, sin olvidarnos de los títulos de crédito repasando todos los temas de la película. En definitiva... una magnífica partitura que a nadie le debería de faltar en su discoteca. Una música para oírla muy alta y si tienes narices... a solas.





2 de octubre de 2012

Philip Glass: Un genio incomprendido




Philip Glass, el compositor de Baltimore, es el puro ejemplo de que le amas o le odias, no hay término medio. Su música, basada en estructuras repetitivas, ha creado un estilo propio que le diferencia de cualquier otro compositor de la historia. Es totalmente imposible confundir su música con la de otro compositor. Glass, que en sus comienzos compuso una música difícil para los tiempos en que fue compuesta, llegó a decir que si cuando acabase de dar un concierto, quedaba alguien en la sala, le invitaría a cenar. Esto demuestra que sabía muy bien que su música no era nada fácil para el oyente, pero él creía en ella y con el tiempo fue evolucionando hasta límites insospechados. Una música que desde sus comienzos se denominó de estilo Minimalista, término con el que nunca estuvo de acuerdo el maestro. Su música se basa en una base que se repite continuamente, en la que cualquier oyente puede huir al instante, pero que os aseguro que el que tenga paciencia y se deje envolver en ese momento, podrá sentir como ese ritmo constante que como él mismo dijo, gira, gira y gira, te rodea y te va envolviendo, a la vez que se desarrolla surgiendo un tema que irá evolucionando, dando quiebros y volviendo una y otra vez al tema principal. A mí me ha costado más de veinte años entenderle. Desde hace muchos años, tuve en mi poder muchas obras de Glass. Algunas contenían algún tema que me gustaba, pero por lo general era incapaz de oír entera la obra sin marearme antes. Pero hubo un momento que me propuse oir entera una de sus obras más clásicas, dejándome al final como con ganas de oir más, y así fue, luego vino otra obra, y otra, y otra, hasta que logré oírme entera su discografía. Hoy en día, no tengo la menor duda, Glass, es un excelente compositor, uno de los pocos que puede estar orgulloso de tener fama universal en vida, al igual que le ocurre a Part, pero con una reputación y aceptación popular mucho más amplia. Glass es uno de los mejores compositores de los siglos XX y XXI, con un catálogo realmente generoso y que día a día crece y crece, porque este hombre compone nueve horas diarias dando como resultado una inmensa obra musical que quedará en la historia de la música clásica. Glass tiene muchas obras de su etapa minimalista, de sus experimentos antes de convertirse al budismo, de las de después, y de todas las que fue componiendo a lo largo de toda una vida repleta de obras maravillosas que han sido y son carne de los críticos, ya que con su estilo repetitivo, da mucha facilidad a la crítica de muchos y por supuesto, muchos son también los defensores. De una forma o de otra, la fama mundial que tiene el compositor será por algo, y no deja indiferente a nadie que le escuche. A todas las obras compuestas en sus primeros años, se fue sumando poco a poco, muchas composiciones del campo sinfónico, dando como resultado una inmensa colección de obras que son puramente clásicas, que dejan al compositor como uno de los más grandes, nos guste o no. Glass tiene la ventaja de que el gran público le conozca gracias a sus 40 bandas sonoras para el cine, entre las que se encuentran, las que le dieron la fama como compositor de cine, la trilogía de Koyaanisqatsi, Powaqqatsi y Naqoyaqtsi, y las más famosas, como Las Horas, Mishima, El Ilusionista o su colaboración en el Show de Truman. Dentro del mundo sinfónico, nos encontramos con 9 sinfonías y una a punto de estrenar, 24 óperas, música para ballet, música de cámara, conciertos para piano, para cello, para clave, para violin, etc.
Oyendo sus primeras sinfonías, podremos observar la evolución a una música mucho más construida y compleja, mucho más depurada, a la vez que las va componiendo en el tiempo y nos vamos acercando a sus últimas creaciones sinfónicas, más tradicionales y melódicas, que captan y envuelven al oyente familiarizado con la música sinfónica más fácilmente que con sus obras antecesoras, en las que ponía a prueba la capacidad auditiva del más paciente, aunque muchos melómanos se niegan a reconocer su música por falta de rigurosidad, considerando su música como repetitiva, empalagosa y superficial. Yo después de oír muchas de sus óperas, tengo que confesar que sigo sin poder digerir bien la que le llevó a la fama operística del siglo XX, Einstein on the Beach. Pero sin embargo las otras dos que forman la trilogía, Satyagraha y Akhnaten, me gustan cada día más. Sin embargo, sus obras más recientes, se acercan más a la música que un oyente normal es capaz de soportar sin caerse de espaldas, con sua arpegios y transiciones tonales, que dan como resultado su estilo "glasiano", y lo que es mejor, a que te enganche de repente, así, sin que te des cuenta, convirtiéndote poco a poco en seguidor de su música, de su estilo, en donde descubrirás que esa música repetitiva que te envuelve, es mucho más que cuatro notas dando vueltas una y otra vez. Cuando llega el momento en que escuchando esas cuatro notas rodeándote una y otra vez, y puedas descubrir que esa música te abre un nuevo mundo de sensaciones y emociones, invadiendo hasta el último rincón de tu ser y se te haga corto el movimiento y necesites oír otro, habrás sucumbido sin remedio.
Es indudable su capacidad como compositor y seguirá siendo odiado por unos y amado por otros, no existe otra posibilidad.

Os dejo con el segundo movimiento de su Tirol Concerto for piano and Orchestre, en el que desarrolla el tema compuesto para la banda sonora del Show de Truman y que también emplea para su primer movimiento de su 5ª sinfonía y una de sus bandas sonoras, Las Horas. Seguiremos oyendo obras suyas poco a poco.



1 de octubre de 2012

Philip Glass: The Kiss



Precioso vídeo que mezcla imágenes con la música de Glass. Hablaremos mucho de este compositor de aquí en adelante.

16 de septiembre de 2012

Arvo Pärt: Spiegel Im Spiegel



"Podría comparar mi música a la luz blanca que contiene todos los colores. Sólo un prisma puede dividir los colores y hacer que parezcan; este prisma podría ser el espíritu del oyente"

Arvo Part

13 de agosto de 2012

Flashmob Beethoven: 9ª Sinfonia




Hoy vamos a dedicar el post a una flashmob, en este caso es una bonita publicidad de un banco. De vez en cuando iré poniendo alguna que otra flashmob donde la protagonista sea la música. Espero que os guste, sobre todo porque la música lo merece, la 9ª sinfonia de Beethoven, ahí es nada.

11 de agosto de 2012

Publicidad: Canon de Pachelbel



Un precioso anuncio, con una preciosa historia y sobre toda una preciosa música. Todo junto hace que me de ganas de ir a comprar el champoo ya mismo. Disfrútala y vive la música con la imagen, es sencillamente una preciosidad. Definitivamente el mundo de la publicidad es fantástico cuando se hace con tan buen gusto.

9 de agosto de 2012

La Lupe: Puro Teatro



Hoy vamos a dedicar nuestro espacio al bolero, o salsa romántica, al que dedicaremos muchas otras entradas en un futuro. Puro Teatro, es una canción de La Lupe, con un sonido inmejorable y un estilo único que caracterizaba a esta exiliada cubana que triunfó en Nueva York, siendo la primera cantante latina que actuaba en el Carnegie Hall y el Madison Square Garden. Durante el final de la década de los 50's, La Lupe actuaba en la ciudad de La Habana, siendo una cantante de renombre, que llegó a tener mucha más fama que su mayor enemiga artística, Celia Cruz (que sin embargo más tarde sería mucho más famosa que ella). Durante la década de los 60's, La Lupe, admiradora de Edith Piaf, Olga Guillot, Celia Cruz y hasta de Lola Flores, recorrió latinoamérica con su forma inequívoca de cantar y actuar, pero a mediados de los 70's, empezó el ocaso de la estrella y su fama se fue perdiendo poco a poco. La Reina del Latin Soul se apagaba para siempre un 28 de febrero de 1992 en el barrio del Bronx de Nueva York, donde vivió y murió. Está enterrada en el cementerio St.Raymond's del Bronx. En España, fue Pedro Almodovar el que dio a conocer a la cantante, incluyendo la canción en la banda sonora de su película Mujeres al borde de un ataque de nervios. Poco después, salió al mercado un CD con sus canciones más famosas, CD que me sirvió para conocer a esta gran cantante cubana que triunfó en la ciudad de Nueva York.



Igual que en un escenario
finges tu dolor barato
tu drama no es necesario
yo conozco ese teatro
fingiendo
que bien te queda el papel
después de todo parece
que esa es tu forma de ser .

yo confiaba ciegamente
en la fiebre de tus besos,
sentiste serenamente
y el telón cayó por eso.

teatro
lo tuyo es puro teatro,
falsedad bien ensayada
estudiado simulacro,
fue tu mejor actuación
destrozar mi corazón .
y hoy que me lloras de veras
recuerdo tu simulacro
perdona que no te crea
me parece que es teatro

yo confiaba ciegamente
en la fiebre de tus besos
mentiste serenamente
y el telón cayó por eso

perdona que no te crea
me parece que es teatro .
pero perdona que yo no te crea
me parece que es teatro

lo tuyo
lo tuyo es puro teatro.

7 de agosto de 2012

Mistral: Starship 109



Starship 109, es una bellísima canción del año 78 que bailé cientos de veces, de hecho, era un tema que poníamos siempre en las fiestas en el apartado de música lenta en los guateques. La canción es maravillosa, pero atentos al vídeo, no tiene desperdicio.

5 de agosto de 2012

50 años sin Marilyn












Hoy día 5 de agosto se cumplen 50 años de la muerte de Marilyn Monroe

2 de agosto de 2012

26 de julio de 2012

20 de julio de 2012

16 de julio de 2012

Deacon Blue: Real Gone Kid




Deacon Blue son una banda pop escocesa formada en Glasgow en 1985. Su nombre fue tomado del título de los Steely Dan canción "Deacon Blues". La banda está compuesta por cantantes Ricky Ross y Lorena McIntosh , el teclista James Prime y el bateria Dougie Vipond.

La banda lanzó su álbum debut, Raintown, el 1 de mayo de 1987 en el Reino Unido . Su segundo álbum de estudio, cuando el mundo conoce tu nombre (1989) encabezó las listas de álbumes del Reino Unido durante dos semanas, e incluyó "Real Gone Kid", que se convirtió en su primer top ten del Reino Unido y que vemos en el video. Deacon Blue lanzó su cuarto álbum, Whatever You Say, Say Nothing. Cinco años más tarde, la banda realizó un concierto de reunión, y esto llevó a un nuevo álbum, Walking Back Home, la banda ahora está trabajando sobre una base a tiempo parcial. La banda lanzó un nuevo álbum, nostálgico , en el año 2001.

Deacon Blue ha confirmado estar grabando nuevo material para un lanzamiento en 2012.

9 de julio de 2012

7 de julio de 2012

Cock Robin: When Your Heart Is Weak




Cock Robin es una banda de pop-rock estadounidense, que se hizo popular en los 1980s y particularmente en Europa. La banda la fundó el cantautor Peter Kingsbery en 1982 y está compuesta junto a él, por Anna LaCazio (Voz cantante, teclados), Clive Wright (guitarras), Louis Molino (batería, percusiones, voz de fondo), Pat Mastelotto ( batería, percusiones), Tris Imboden (batería), Corky James (guitarras), y John Pierce (bajo). El grupo desapareció en 1992 y reapareció en 2006.
Llamada así por la historia del siglo XVII "El casamiento de Cock Robin y Jenny Wren", la banda tocaba en California antes de que firmara con CBS Records. El primer álbum fue producido por Steve Hillage y pronto destacó en Europa, especialmente en Francia y en Alemania, donde los dos primeros sencillos When Your Heart Is Weak y The Promise You Made se convirtieron en grandes éxitos. En 1987, la banda lanzó su segundo álbum, producido por Don Gehman. De nuevo la banda atrajo mucha atención en Europa, con otro gran éxito: Just Around The Corner. Dos años después, lanzaron su tercer álbum, esta vez producido por Roxy Music. Poco después, la banda se deshizo. Durante todos estos años, la banda hizo unas giras en Europa, atrayendo siempre a sus incondicionales. En 2006, Cock Robin se reagrupó con su cuarto álbum, con unas apariciones en EE. UU. y en Francia.

4 de julio de 2012

3 de julio de 2012

23 de junio de 2012

El Planeta Júpiter




Júpiter es el quinto planeta del Sistema Solar. Forma parte de los denominados planetas exteriores o gaseosos. Recibe su nombre del dios romano Júpiter (Zeus en la mitología griega).

Se trata del planeta que ofrece un mayor brillo a lo largo del año dependiendo de su fase. Es, además, después del Sol, el mayor cuerpo celeste del Sistema Solar, con una masa casi dos veces y media la de los demás planetas juntos (con una masa 318 veces mayor que la de la Tierra y 3 veces mayor que la de Saturno).






Júpiter es un cuerpo masivo gaseoso, formado principalmente por hidrógeno y helio, carente de una superficie interior definida. Entre los detalles atmosféricos se destacan la Gran mancha roja, un enorme anticiclón situado en las latitudes tropicales del hemisferio sur, la estructura de nubes en bandas y zonas, y la fuerte dinámica de vientos zonales con velocidades de hasta 140 m/s (504 km/h), se piensa que puede ser una "Estrella fallida" debido a sus grandes cantidades de hidrógeno y helio. Júpiter también posee la velocidad de rotación más rápida de los planetas del Sistema Solar: gira sobre su eje en poco menos de 10 horas.
Los principales satélites de Júpiter fueron descubiertos por Galileo Galilei el 7 de enero de 1610, razón por la que se los llama en ocasiones satélites galileanos. Reciben sus nombres de la mitología griega si bien en tiempos de Galileo se los denominaba por números romanos dependiendo de su orden de cercanía al planeta. Los cuatro satélites principales son muy distintos entre sí. Ío, el más interior, es un mundo volcánico con una superficie en constante renovación y calentado por efectos de marea provocados por Júpiter y Europa. Europa, el siguiente satélite, es un mundo helado bajo el cual se especula la presencia de océanos líquidos de agua e incluso la presencia de vida. Ganímedes, con un diámetro de 5268 km, es el satélite más grande de todo el sistema solar. Está compuesto por un núcleo de hierro cubierto por un manto rocoso y de hielo. Calisto se caracteriza por ser el cuerpo que presenta mayor cantidad de cráteres producidos por impactos en todo el sistema solar. Además de los mencionados satélites galileanos, las distintas sondas espaciales enviadas a Júpiter y observaciones desde la Tierra han ampliado el número total de satélites de Júpiter hasta 63. Además de sus satélites, el campo gravitacional de Júpiter controla las órbitas de numerosos asteroides. En la actualidad se conocen cientos de asteroides troyanos. El mayor de todos ellos es el asteroide 624 Héctor. En julio de 1994 el cometa Shoemaker-Levy 9 impactó contra la atmósfera de Júpiter. El cometa había sido disgregado por la acción de la gravedad de Júpiter en 20/22 fragmentos en un paso anterior y cercano por el planeta. El día 19 de julio de 2009 Anthony Wesley, un astrónomo aficionado australiano anunció el descubrimiento de una mancha negra de un tamaño similar al diámetro de la Luna que había aparecido en la atmósfera de Júpiter en la región subpolar sur. Por el momento se desconoce si el objeto que impactó con Júpiter era un asteroide o un cometa. El impacto, descubierto por casualidad, ocurrió 15 años después del impacto del cometa Shoemaker-Levy 9.



15 de junio de 2012

PUCCINI: La Boheme


La Bohème es la ópera con la que Giacomo Puccini se consagró definitivamente como un gran compositor lírico. Refleja sus propias vivencias durante los años de estudiante en el conservatorio de Milán, donde compartió habitación con Pietro Mascagni.
El libreto se basa en la novela por entregas, Escenas de la vida bohemia de Henry Murger, publicada en el periódico El Corsario a lo largo de cinco años (1845 - 1849). Los encargados de simplificar y aunar los diferentes episodios de la novela para así confeccionar el libreto fueron Luigi Illica y Giuseppe Giacosa.
El estreno de La Bohème tuvo lugar en el Teatro Regio de Turín el 1 de febrero de 1896. El papel de Mimí fue cantado por la soprano Cesira Ferrani, y el tenor Evan Gorga dio vida a Rodolfo. La orquesta tocó bajo la dirección de Arturo Toscanini. La obra tuvo una acogida fría, tanto por parte del público como de la crítica.


Acto IEn la buhardilla de los bohemios. Marcello pinta mientras Rodolfo mira por la ventana. Como no tienen combustible y hace frío, utilizan los manuscritos del drama que está escribiendo Rodolfo para hacer fuego. Colline, el filósofo, entra en la pieza congelado y molesto por no haber podido echarle la mano a unos libros. Schaunard, el músico, llega con comida, madera, vino y dinero; explica a sus compañeros la fuente de su súbita riquezas, atender el loro de un caballero inglés. Nadie le presta atención porque caen sobre la comida, que es retirada rápidamente por Schaunard, que les deja tan solo el vino. Mientras beben, llega Benoit, el casero, en busca del pago de la renta. Los bohemios le engatusan ofreciéndole vino, y, en medio del efecto del alcohol, les narra sus aventuras amorosas, añadiendo que está también casado, ante lo cual todos reaccionan con una indignación pacata, fingida, y le echan de la habitación sin pagarle la renta. Deciden que lo mejor es utilizar ese dinero para disfrutar del barrio. Rodolfo no les acompaña porque quiere trabajar. En ese momento alguien llama a la puerta, es Mimi que ha venido a pedir que le ayuden a encender nuevamente su vela. Sale, pero regresa en seguida porque ha olvidado su llave. En ese momento, ambas luces se apagan y en la oscuridad deben buscar la llave. Rodolfo la encuentra y la guarda para que la búsqueda continúe en la oscuridad. Cuando sus manos tropiezan, ambos aprovechan la ocasión para contar la historia de sus vidas: él interpreta 'Che gelida manina' - ('que manita más fría') y ella, 'Sì, mi chiamano Mimi' ('sí, me llaman Mimi'). Son interrumpidos por las voces de los amigos que han venido a buscar a Rodolfo, y él antes de que entren, les advierte que no está solo y que pronto se reunirá con ellos, aunque prefiere quedarse en casa, pero deciden marchar, juntos, cantando su amor (en el delicioso dúo, "O soave fanciulla" - "oh! suave niña").
Acto IIEn el Quartier Latin(Barrio Latino). En las calles hay una multitud que se divierte mientras los vendedores vociferan sus productos. Los amigos llegan al Café Momus, y mientras beben y comen aparece Musetta, ex de Marcello, acompañada de un admirador un poco parco, Alcindoro. Ella intenta de varias maneras llamar la atención de Marcello, y lo logra cantando una sensual aria dedicada fingidamente a su nuevo amante ("Quando men vo' - Cuando me voy"). Fingiendo un dolor en un pie, por culpa del zapato que le aprieta demasiado, hace que Alcindoro vaya a buscarle un nuevo par, ocasión que Musetta aprovecha para reunirse con su amado Marcello. Cuando los bohemios deciden pagar la cuenta para marchar, encuentran que Schaunards no tiene suficiente dinero, y siguiendo una sugerencia de Musetta, deciden cargar la cuenta a Alcindoro. Soldados desfilan en la calle, y aprovechando la confusión, Marcello y Colline llevan a Mussetta en brazos y huyen, bajo la risa cómplice de los espectadores. Cuando se han ido todos, Alcindoro llega con el par de zapatos y es sorprendido por el mesonero que le ordena pagar la cuenta.
Acto III
La aduana de Enfer. Aduaneros llegan a la ciudad. Mimi, notablemente enferma, desea hablar con Marcello. Ella le cuenta lo difícil que se ha vuelto la vida con Rodolfo, que ha abandonado la casa la noche anterior (aria: "O buon Marcello, aiuto! - ¡Oh! ¡Marcello, ayuda!"). Marcello le cuenta que Rodolfo está durmiendo en una taberna donde él también vive. Rodolfo, que acaba de despertar y busca a Marcello, entra en escena, y Mimi rápidamente se oculta. Rodolfo cuenta por qué ha dejado a Mimi, primero aduce que Mimi es demasiado coqueta con otros hombres, pero luego confiesa que él teme que enferme y muera en las pobres condiciones en las que están viviendo, que todo será mejor para ella si vive con alguien que le puede ofrecer una forma de vida más confortable. Marcello, preocupado por Mimi intenta hacerle callar, pero ella ya lo ha escuchado todo y se descubre a sí misma cuando tose violentamente. Marcello les deja para volver con Musetta, y Rodolfo y Mimi, a punto de separarse, declaran nuevamente su amor y deciden permanecer juntos hasta que llegue la estación de las flores, la primavera. En la distancia se escucha la discusión entre Musetta y Marcello (cuarteto: "Addio dolce svegliare alla mattina!").
Acto IVNuevamente en la buhardilla। Marcello y Rodolfo trabajan, mientras lamentan la pérdida de sus respectivas amadas (dúo: "O Mimì, tu più non torni" -- ¡Oh Mimi! ¿regresarás?)। Schaunard y Colline entran con la cena, y los cuatro parodian un delicioso banquete, cantando y bailando. Musetta entra alarmada, le acompaña una Mimi muy enferma que sufre mucho; todos ayudan a la chica moribunda. Preocupados, Musetta y Marcello salen de la habitación para vender las joyas de ella y así comprar algunas medicinas. Colline y Schaunard salen para vender el abrigo de Colline. Solos, Rodolfo y Mimi, recuerdan sus tiempos felices (dúo: "Sono andati? - ¿se han ido?"). Regresan todos y se postran a los pies de la cama, Musetta reza una plegaria, y Mimi, inadvertidamente, muere. Poco a poco sus compañeros notan lo sucedido, hasta que finalmente, Rodolfo cae en la cuenta y grita desesperado "¡Mimí...! ¡Mimí...!".


Personajes:

Rodolfo, poeta, amante de Mimí (tenor)
Marcello, pintor, amante de Musetta (barítono)
Schaunard, músico (barítono)
Colline, filósofo (bajo)
Mimí, modista, amante de Rodolfo (soprano)
Musetta, amante de Marcelo (soprano)
Alcindoro, viejo protector de Musetta (bajo)
Benoît, casero de los bohemios (bajo




Wikipedia



15 de mayo de 2012

Maurice Ravel: Bolero


Maurice Ravel fue admirador de Mozart, Saint-Saens y Debussy. Compositor impresionista, aunque llegó más lejos del impresionismo al adoptar en varias de sus obras el jazz americano, que le influyó en su viaje a los Estados Unidos en donde conoció a George Gershwin y que se hace notar en sus conciertos para piano. Tuvo como profesor a Gabriel Fauré, que siempre tuvo palabras buenas hacia Ravel, siendo un pupilo destacable del que siempre reseñó que "era un buen alumno, laborioso y puntual, siendo además una persona muy sincera". Ravel no fue un gran director, ni siquiera un gran pianista, pero sin embargo fue un grandísimo orquestador. Como prueba de ello, centrémonos en el Bolero, una pieza que con pocos notas (dos temas), que se repiten sucesivamente, pero que el compositor orquestó de tal forma, que ha llegado a ser una de las obras más famosas de la historia de la música. Fue una obra que le encargó Ida Rubinstein, una rica empresaria que montó su propio ballet con su dinero, bailarina y coreógrafa que quiso un ballet con carácter español. Se estrenó en París en la Ópera Garnier en noviembre de 1928. Con una melodía repetida una y otra vez sin ninguna modificación, pero orquestada en crescendo de tal forma, que según avanza la partitura va cambiando de tonalidad hasta llegar al climax final con una buena resolución orquestal para el final. El estreno del ballet tuvo un gran éxito, aunque pronto el Bolero se hizo más popular como versión de concierto, llegando a ser una de las obras musicales más interpretadas de la historia. La fama no pararía en ningún momento y ha llegado a ser la obra francesa con más beneficios de derechos de autor durante años. En un principio, Ravel quiso orquestar unas piezas extraídas de la Suite para piano "Iberia" de Albéniz para el encargo de Ida Rubinstein, pero una vez enterado que los derechos de esa obra para orquestarlos los tenía otro compositor español, Enrique Fernández Arbós, desistió de ello, a pesar de que el compositor español le cedió todos los derechos para que lo hiciera, pero Ravel no lo admitió y nunca se produjo esa obra que se hubiera llamado "Fandango". Entonces fue cuando decidió hacer algo experimental, un ballet para orquesta que solo utilizaría un tema y un contra-tema repetidos y en el que el único elemento de variación provendría de los efectos de orquestación que sustentarían un inmenso crescendo a lo largo de toda la obra. Rápidamente Ravel acabó la obra acordada y en un principio le llamó "Fandango", como estaba destinado. Pero al parecerle que el ritmo de su obra era más rápido que un fandango, prefirió excoger otra danza tradicional andaluza, el bolero. Una vez cambiado el titulo, dedicó su obra a su amiga Ida Rubinstein.
En 1930 Ravel grabó la obra y la llevó por todas las salas de concierto cosechando un gran éxito. Arturo Toscanini muy admirado en aquella época por Ravel, al frente de la Filarmónica de Nueva York en una interpretación ese mismo año en la Ópera de París, se tomó la libertad de interpretar la obra dos veces más rápido de lo prescrito, alargando el movimiento al final. Ravel, presente entre el público tuvo una gran discusión con el director, al que Ravel se negó a darle la mano y con el que tuvo una gran discusión entre bastidores:

"Usted no comprende nada su música... era el único medio para hacerla pasar"
- Maestro... yo llevo el Bolero mucho más lento.
- Es un error -respondió Toscanini-, la concepción misma de la obra, su carácter, su estilo, imponen el tempo que yo he adoptado.


Toscanini y Ravel se reconciliarían más adelante, pero desde ese momento ya estaba claro que el tempo del Bolero, sería de ahí en adelante, el que estaba escrito:

"Debo decir que el Boléro es raramente dirigido como yo pienso que debería de ser. Mengelberg acelera y ralentiza excesivamente. Toscanini lo dirige dos veces más rápido sin ser necesario y alarga el movimiento al final, lo que no está indicado en ninguna parte. No: el Boléro debe ser ejecutado a un tempo único desde el inicio al final, en el estilo quejumbroso y monótono de las melodías árabe-españolas. [...] Los virtuosos son incorregibles, inmersos en sus fantasías como si los compositores no existiesen."


El Bolero de Ravel es la típica obra dentro de la música clásica, que no hace falta que se oiga en una Sala de conciertos para ser famosa. Cualquiera conoce esa melodía, si no es por un anuncio, será por una película, pero ha sido, és y será... una de las melodías más conocidas en la historia, aunque odiada por muchos, quizás por ese motivo de haberse oído muchas más veces que las que se repiten las notas.
Y es que Ravel tenía una gran pereza, uno de sus defectos. Con tal de no ponerse a componer una obra estructurada y así ahorrarse tiempo y cabeza, prefirió componer un tema y repetirlo un montón de veces, pero eso sí... con una gran orquestación, como era habitual en Ravel. En una cierta ocasión en su viaje a Norteamérica, una poderosa firma americana quiso contratarle para que pusiera música a la banda sonora de una película, tentado por la oferta preguntó que cuanto duraría la música en la película. Unos tres cuartos de hora más o menos. A lo que contestó... "Tardaría cuatro años para componer la partitura".

Maurice Ravel
Bolero

Christoph Eschenbach
Orchestre de Paris




29 de abril de 2012

Stabat Mater: Giovanni Battista Pergolesi



Stabat Mater es una obra musical que refleja el sufrimiento de María la Madre de Jesús durante la crucifixión, una plegaria escrita por el franciscano Jacopone Da Todi, donde 20 estrofas y 60 versos, cuentan la muerte de Cristo a través de los ojos de su madre. Giovanni Battista Pergolesi sea quizás el compositor que mejor representa el sentimiento de Da Todi.

Pocas obras hacen estremecernos desde la primera nota, transportándonos entre lo divino y lo humano, como lo hace el Stabat Mater de Pergolesi. Contados casos como el Requiem de Mozart causan este efecto. Son de esas composiciones que con oír el comienzo de la obra, nos sumerge en un mundo de sentimientos y emociones tan profundo, que nos deja extasiados y abstraídos de la realidad. Este es el caso del Stabat Mater de Pergolesi, una obra que refleja perfectamente el sufrimiento de una madre ante el dolor y muerte de su hijo. Una obra que sobrecoge de una manera brutal al oyente desde el comienzo al final. Pergolesi es uno de esos compositores que nos preguntamos a donde hubieran llegado de haber vivido más años. Murió joven, con tan solo 26 años de edad, una tuberculosis acabó con su vida justo dos días después de haber acabado el Stabat Mater y estrenándose tan solo siete días después.

Mientras estuvo en París, en 1725, comenzó la llamada "Guerra de los bufones" entre verdaderos pilares de la ópera seria francesa como Jean-Baptiste Lully y Jean-Philippe Rameau y partidarios de la nueva ópera cómica italiana. Pergolesi fue considerado como modelo del estilo italiano durante esta controversia, que dividió a la comunidad musical de París durante dos años. En realidad se apellidaba Draghi pero la familia había sido llamada I Pergolesi por ser originarios de Pergola, convirtiéndose con el tiempo el apodo en apellido. Posiblemente enfermó de tuberculosis durante la infancia, siendo ésta la enfermedad que acabó con su vida en edad tan temprana. Estudia violín con Mondini y composición con Francesco Santi gracias a la ayuda del marqués de Pianetti. En 1725 fue enviado a Nápoles para estudiar en el Conservatorio dei Poveri di Gesú Cristo. Allí sus mentores fueron Matteis, Gaetano Creco, Francesco Durante y Leonardo Vinci. Finaliza sus estudios en 1731 y rápidamente obtiene la comisión de componer la ópera, Salustia, para el Teatro de San Bartolomeo. El éxito le abrió las puertas de la corte del príncipe Fernando Colonna, convirtiéndose en su maestro de capilla. A partir de 1734 fue también asistente de Domenico Sarri al frente de la capilla de Nápoles. En 1736 renuncia a este puesto para ingresar en el monasterio franciscano de Pozzuoli debido al empeoramiento de su salud. Allí fallece el 17 de marzo de ese año. Hoy su cuerpo descansa en una capilla construida ex profeso en la Catedral de Pozzuoli. Pergolesi inició una lamentable tradición que posteriormente sería seguida por Johann Sebastian Bach, W.A. Mozart y otros. Esta tradición no es otra que la del compositor que pasa desapercibido en vida y que tras su muerte es elevado a la categoría de genio. Después de su muerte su insuperable Serva Padrona fue continuamente representada, algo excepcional en la época, donde los compositores vivos tenían que luchar de forma fratricida por representar sus obras. Su obra maestra, el Stabat Mater, además de ser a partir de ese momento, la referencia de las futuras composiciones homónimas, fue la obra más veces reeditadas en el siglo XVIII. Pergolesi nos dejó sin darnos la opción de conocer todas esas obras que hubiese compuesto a lo largo de una vida, si los problemas de salud desde pequeño (se cree que sufría de espina bífida), y la repentina muerte a los 26 años, aparentemente de tuberculosis, no se lo hubiera llevado tan joven. Pero nos dejó dos de las obras más famosas de la música, el Stabat Mater y La serva padrona. Otros compositores que compusieron Stabat Mater: Palestrina, Joseph Haydn, Alessandro Scarlatti, Domenico Scarlatti, Antonio Vivaldi, Rossini, Giacomo Meyerbeer, Franz Liszt, Antonín Dvořák, Karol Szymanowski, Francis Poulenc, Krzysztof Penderecki, etc.




Stabat Mater (Dolorosa)

Soprano: Katia Ricciarelli
Contralto: Lucia Valentini


Chorus and Orchestra of La Scala
Conductor: Claudio Abbado










Stabat Mater Quando Corpus Morietur, escena de la película "Amadeus"







La serva padrona - Stizzoso mio stizzoso

21 de marzo de 2012

Sinfonía Manfred deTchaikovsky


Tchaikovsky tiene un ciclo de 6 sinfonías que son bastante conocidas, pero tiene otra sinfonía que muchos no conocen y estamos hablando de una sinfonía que fue compuesta entre la cuarta y la quinta estando sin numerar. Muchos son los que opinan que esta sinfonía es la más brillante de todas las del compositor, mientras que otros opinan lo contrario. Toscanini dijo que era la mejor obra del compositor, mientras que Leonard Bernstein dijo que era basura. La sinfonía está basada en el poema "Manfredo" que escribió Lord Byron en 1817, siendo considerada por su autor como la mejor composición que tenía hasta ese momento, claro que más tarde también quiso destruir la partitura, cosa que menos mal, no hizo.
La sinfonía Manfred es larga y difícil de tocar, requiriendo una gran orquesta, motivo por el que es poco interpretada en las salas de concierto. Es una obra con una gran orquestación, dramática y con un gran lirismo, como nos tiene acostumbrados.
La Sinfonía Manfred en si menor, op. 58, es una obra magistral que debería de ser conocida por el público al igual que las otras sinfonías del mismo autor.



6 de marzo de 2012

El Lago de los cisnes



La fiesta de cumpleaños de la mayoría de edad del príncipe Sigfrido nos lleva en el primer acto a los aposentos del palacio. Allí se va a dar una fiesta donde llegarán muchas chicas candidatas a ser la esposa del príncipe. Sigfrido tendrá que elegir entre una de ellas. Sin embargo esto no alegra a Sigfrido, al contrario, el no está enamorado y no quiere casarse, lo que le sumerge en una gran melancolía. Sus amigos le regalan una ballesta y le invitan a salir de caza para probarla.

El segundo acto transcurre en el lago, allí el joven Sigfrido ve una manada de cisnes junto al lago. Una vez que se acerca con su ballesta hacia las aves, comprueba como los cisnes se convierten en hermosas mujeres, y entre ellas, está Odette, la Reina de los cisnes. Ella le cuenta como el malvado Rothbard les hizo un conjuro, convirtiéndoles en cisnes. Solamente vuelven a ser humanas desde la medianoche hasta el amanecer. Odette le cuenta también como romper el hechizo. Alguien tiene que enamorarse de ella, jurarle amor eterno y serle fiel. Al aparecer el mago, el príncipe intenta dispararle, pero odette le dice que si Rothbard muere, quedarían convertidas en cisnes para siempre. Sigfrido, que se ha enamorado perdidamente, le dice que acuda a la fiesta donde tiene que elegir la mujer para casarse. Amanece y vuelven a convertirse en cisnes.

En el acto III, volvemos al salón de baile del castillo. Allí tiene lugar la fiesta de cumpleaños y empiezan a desfilar las candidatas que la Reina ofrece a su hijo. A la fiesta acude el malvado Rothbard con su hija Odile, vestida de negro. El parecido es tal, que el príncipe cree que Odile es su amada Odette. Sigfrido elige a la hija de Rothbard para ser su esposa, jurando su amor eterno y condenando a Odette para siempre, que llora desesperada por lo ocurrido. Desde una ventana del castillo, Rothbard le muestra al príncipe a Odette, que llora desconsolada. Sigfrido, una vez que se da cuenta del engaño, sale corriendo hacia el lago.

En el cuarto acto, volvemos al lago. Odette llega desesperada a contarles a sus damas lo ocurrido en el castillo y los cisnes intentan consolarla. Llega el príncipe Sigfrido a pide perdón a Odette, pero ya es tarde y aunque la Reina de los cisnes le perdona, ya nunca, después de su traición, podrán romper el maleficio. Rothbard aparece de nuevo y Sigfrido lucha con él. Los amantes se lanzan al agua y mueren juntos, liberando así el hechizo de las demás cisnes. Mientras que se levanta una tormenta, Rothbard muere y los amantes ya muertos, estarán juntos para siempre.




9 de febrero de 2012

La Traviata


Giuseppe Verdi compuso su ópera de La Traviata, con un libreto que se basó en la novela de Dumas,"La Dama de las Camelias". En la novela la joven Margarita,que aquí pasa a llamarse Violeta Valery, es una cortesana que vive alegremente su vida organizando grandes fiestas y siendo lo que literalmente podríamos llamar una mujer de vida alegre. En la ópera de Verdi, nos muestra un personaje menos libertino y más angelical. La obra es una historia de amor en la que el galán, Alfredo Germont, le confiesa su amor y deciden cambiar los dos su forma de vida, lejos de la ciudad, en el bosque y siendo el uno para el otro. Pero interviene el padre de Alfredo, con la típica historia de que es mejor que dejes a mi hijo, porque contigo nunca será felíz, y si realmente le quieres y quieres lo mejor para él, tienes que abandonarlo para que pueda llevar una vida normal. Ella, que realmente le ama hasta la locura, le engaña diciendo que ama a otro, y de aquí surge el típico drama de como dos personas que se aman nunca pueden ser felices, argumento típico de las telenovelas. Violeta está muy enferma y realmente le queda muy poco tiempo de vida, motivo por el cual enseguida podemos intuir que volverán justo en su lecho de muerte.

El estreno de la obra fue un rotundo fracaso en la que el público llegó a burlarse y reirse en la segunda parte de la ópera. Verdi no tuvo éxito al intentar convencer al gerente del teatro La Fenice de Venecia para que pusiera en el papel a una cantante que se adaptara al rol de Violeta y fue Fanny Salvini-Donatelli, una buena cantante de la época, pero demasiado mayor y con demasiados kilos como para interpretar el papel dramático de una joven moribunda que iba a morir de tuberculosis. Dos años después, la obra después de ser revisada en algunos pasajes de susactos II y III, fue representada de nuevo con una gran crítica y presentada en teatros de Londres y Nueva York. Desde entonces, La Traviata goza de ser una de las óperas más representadas de la ópera y con una gran aceptación entre el público.












6 de febrero de 2012

Los Conciertos para piano y orquesta más bellos


El concierto para piano y orquesta es una de mis grandes pasiones. Aquí os dejo con algunos de los conciertos más bellos que existen y que forman parte de mis obras y composiciones favoritas dentro de la música clásica.








































Hoy escuchas

- Piano concerto nº 2 - SAINT-SAENS
- Vissi d'arte "Tosca" - PUCCINI
- Overture "Don Giovanni" - MOZART
- Reina de la noche "La flauta mágica" - MOZART
- Aria de Edgar - PUCCINI
- Toccata y fuga en re menor - BACH
- Symphony nº5 "4º Mov." - MAHLER




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